История возникновения и развития искусства эмали

Готическая эмаль

Несмотря на то, что получили развитие новые приемы эмалирования, прежние методы не были вытеснены полностью. Напротив, они художественно обогащались. Таким образом, выемчатая эмаль сохранилась до конца средневековья как прием украшения несложных изделий, оружия, шрифтов. В качестве примера может служить серебряное нагрудное украшение с девятью покрытыми эмалью гербами, которые были учреждены саксонскими городами между 1461 и 1513 гг.

Эмали долины Мааса представлены первоклассными произведениями, как например реликварий св. Стефана, созданный около 1220 г. Мастера, создавшие их, следовали принципам Никола и Вердена и при этом сохраняли верность романскому духу вплоть до второй половины XIII в. Однако французская и немецкая ювелирная пластика испытала воздействие готической архитектуры. В произведениях ювелирного искусства готики четко проявляется влияние архитектуры и скульптуры.

Один из первых образцов эмали по чеканному рельефу можно наблюдать на медальоне с символом евангелиста Луки. В нем еще заметно влияние романской выемчатой эмали. Фигуры, покрытые голубой прозрачной эмалью, гармонируют с благородным металлом основы.

Знаменитые лиможские эмали приобретают все большее распространение. Они обнаружены в ряде соседних стран. Так, в соборе Бургоса находится одно из самых крупных и красивых лиможских изделий: медное надгробие епископа Маурисио, умершего в 1238 г.; оно отлито в виде лежащей фигуры и украшено позолотой, чеканкой, выемчатой эмалью и вставками кабашонов.
Продукция Лиможа разнообразна: жезлы, ларцы-реликварии, кресты, реликварии в виде головы и полуфигуры, книжные оклады, медальоны для украшения ларцов, как например, медальон с сиреной из Лувра.
Нужно так же упомянуть прозрачные перегородчатые эмали на золотом фоне;прекрасные их образцы имеются в Кливлендском музее – четырехлопастная пластина с растительным орнаментом. При этой технике мастера добивались полной прозрачности и блеска эмалей.

Следующая ступень развития этой техники, относящаяся к началу XIV в., предъявляет гораздо более высокие к мастерству ювелира. Фигуры выполнялись плоскорельефными, а прозрачная эмаль накладывалась по всей поверхности. Таинственно просвечивает сквозь эмаль изображение, пластичность которого еще больше подчеркивается различными по толщине слоями эмали. Эту технику использовали для готической церковной утвари и религиозных украшений. Несмотря на  то, что подложке гравировкой придана шероховатость, стойкость эмали невелика, о чем свидетельствуют сколы, имеющиеся на большинстве из сохранившихся изделий.

Возрождение и Барокко

Эпоха Возрождения достигла своего апогея на экономической основе капиталистических отношений. Особенно большое развитие она получила во всех областях кустарных ремесел, а так же в искусстве и науке. Культура Возрождения выражала идеологию зарождавшейся прогрессивной буржуазии, которая была ориентирована преимущественно на земное, антифеодальное и антитеологическое.

В Германии наблюдались глубокие социальные сдвиги, которые вылились в Реформацию и Крестьянскую войну 1524-1525 гг. и нашли отражение в культуре Возрождения. В то время как в немецком изобразительном искусстве отчетливо угадывается итальянское влияние, развитие ювелирного искусства происходит самостоятельно.

Наряду с Мюнхеном, Зальцбургом, Прагой и Веной в XVI в. центрами ювелирного дела стали Нюрнберг и Аугсбург. Славе этих городов еще больше способствовало распространение «Ornamentstiche» - образцов орнаментов для различных видов ремесел Нюрнбергских и аугсбургских мастеров.

Рассматривая серебряную позолоченную кружку с эмалью, легко узнать переработанные аугсбургским ювелиром мотивы рисунков из папки образцов орнаментов для гравировки Корвиниануса Заура. Композицию медальона мастер перенял, но детали изображенные в нем, изменил и усовершенствовал. Орнамент «арабески» выполнен в технике выемчатой эмали по гравировке. Плоский орнамент между овалами покрыт эмалью ярких цветов и контрастирует с гладким телом сосуда.

Когда во второй половине XV в. буржуазия немецких городов достаточно окрепла, вместе с чувством собственного достоинства у купцов и ремесленников появилась потребность подчеркнуть свое общественное положение роскошной одеждой и дорогими украшениями. Золотые цепи, украшения для волос и шляп, браслеты, кольца, пуговицы – все виды украшений использовались в полной мере, но самым популярным был медальон.

По сравнению с образцами искусства готики бросается в глаза живая пестрота оформления украшений. На относительно небольшой площади преобладает перенасыщенный орнамент, частично покрытый эмалью, с включениями цветных камней и жемчуга, рельефных фигурок из эмали. Доминирующей техникой эмалирования стала объемная рельефная эмаль. В начале XV в. в Бургундии и Нижненемецкой области наиболее значительные работы были выполнены именно в этой технике.

Наиболее распространенным мотивом был святой Георгий, победа которого над драконом воспринималась как символ триумфа христианства над язычеством.

В XVII в. осуществляется постепенный переход к барокко, восхвалению в искусстве абсолютизма и контрреформации как идеологии господства и пышного расцвета феодализма. С этой точки зрения произведения Иоганна Мельхиора Динглингера, придворного ювелира Августа Сильного, и его братьев Георга Фридриха (эмальера) и Георга Кристофа (ювелира) являются вершиной ювелирного и эмальерного искусства барокко.

Выдающийся пример виртуозного овладения техникой объемной рельефной эмали – настольное украшение с изображением двора в Дели в день рождения Великого Могола работы Юргена Зейба и братьев Динглингер. На площади 1м2 изображена процессия представителей всех областей государства, которые собрались во дворце, чтобы подарками доказать свою преданность господину. С большим художественным и техническим совершенством выполнена из драгоценного металла и щедро расцвечена сотнями драгоценных камней и различными эмалями вся сцена торжества. В течение трех столетий до появления рококо сохранялась мода на ювелирные изделия, украшенные объемной цветной эмалью, однако наряду с этой тончайшей техникой применялись и другие приемы эмалирования. Так, эфес меча в японском стиле работы Динглингера сплошь покрыт изумрудно-зеленой эмалью в стиле раннеготической эмали по серебру. Так же встречаются образцы орнамент которых подчеркнут наплавленной поверх эмалью.

Живописная эмаль из Лиможа

В начале XV в. появилась совершенно новая техника – живописная эмаль. Тонко растертыми цветными эмалями наносили изображение на одноцветную эмалевую основу, причем краски накладывали рядом без разделяющих перегородок. Из Англии доставляли корнуэльское олово, необходимое для изготовления эмали (оно придает сплавляющимся во время обжига краскам непрозрачность, что усиливает их крою¬щую способность). Из Испании привозили особый краситель - сафру (saphare), естественную смесь окиси кобальта и натрия. Сафра придавала чистоту и глубину тона знаменитой синей эмали лиможских мастеров. Добавки олова разбеливали цвет, позволяли использовать тональные нюансы. Эти приемы были неизвестны мастерам предшествующего периода в районах Мааса и Рейна.

В Италии было несколько мастерских, где применяли этот метод, но все же центром развития новой техники в XV-XVI вв. стал французский город Лимож.
Расцвет техника живописной эмали пережила в XVI в. в Лиможе. Металлическая пластина, реципиент, используется еще и качестве живописной основы. Часто изготовляемая из меди, но равно из железа, серебра или золота, эта пластинка прежде всего целиком покрывается прозрачной глазурью или одноцветным опаковым слоем эмали. В качестве эмалевых красок почти постоянно применяются непрозрачные стеклянные массы, которые куничьей кистью наносятся на грунтовую подгрунтовку и подвергаются последовательному обжигу. Поскольку краски в растертом состоянии часто обладают другим тоном, чем после обжига, едва ли можно избежать повторных прописок и обжига. Оборотная сторона пластинки по большей части также покрывается слоем эмали (контрэмаль) для предотвращения односторонней деформации металла при обжиге. В Лиможе изготавливали шкатулки-реликварии, алтари-триптихи, кувшины, тарелки, плакетки. Медные пластины расписывали эмалевыми красками с многочисленными - от десяти до пятнадцати - промежуточными обжигами. В этой технике краски нельзя смешивать, иначе получается грязный цвет. Поэтому каждый красочный слой закрепляется отдельным обжигом. Сначала обжигают краски с более низкой температурой плавления (около 600°С), затем с более высокой (800-900°С). По завершении роспись покрывали тонким слоем прозрачной эмали - фондона, который предохраняет ее от повреждений. Роспись также дополнялась золотом - штрихами, напоминающими иконописную ассистку, звездочками, надписями. С оборотной стороны медные пластины покрывали слоем контрэмали для предотвращения коробления во время обжига. Для большего эффекта изделия украшали кабошонами, имитирующими драгоценные камни, - крупными, округлой формы застывшими каплями прозрачной эмали. Под них подкладывалась золотая или серебряная фольга.

В XVI в. получила развитие типичная техника мастеров Лиможа: эмаль в стиле гризайль, т.е. эмаль в серых тонах. На пластину, отгрунтованную черной или темной эмалью, наносили изображение белой эмалью. В зависимости от толщины слоя темный фон просвечивает больше или меньше, что дает серые полутона. Так как использовали, как правило, тугоплавкую белую эмаль, то изображение получалось слегка рельефным.

В основе другого способа заложены графические приемы: черное основание покрывали тонким слоем белой эмали, процарапывали в этом увлажненном слое рисунок и придавали изображению пластичность посредствам штриховки. После этого эмаль обжигали. Часто белую эмаль обогащали цветной, т.е. покрывали прозрачной цветной эмалью (тона одежды) и розовой эмалью (части тела).

В первое время в технике лиможской эмали изображали исключительно сцены из библии, зачастую воспроизводили известные картины на эти сюжеты. В середине XVI в. на первое место выдвигаются мотивы итальянского возрождения. Эмалью покрывали не только плакетки, но и различную утварь. Предметы большого размера украшали пластинками, покрытыми эмалью. При дворах знати, особенно во Франции, были известны и пользовались большим спросом великолепные столовые приборы из Лиможа, покрытые эмалью. Наиболее известные мастера, работавшие в Лиможе в конце XVI в., - члены семьи Кур, среди них редкий пример женщины-эмальера Сюзанна Кур, П. Куртейс, К. Нуайе, П. Реймон, семья Пенико.

Наиболее значительный мастер Леонар Лимозен (Limosin L., 1505-1576) - потомственный эмальер - также был живописцем и гравером, сам рисовал свои композиции. Работал в Париже и Фонтенбло вместе с Ф. Приматиччьо. В 1548 г. Лимозен получил звание королевского эмальера. В 1572 г. его избрали консулом Лиможа. Художник создавал чаши, плакетки, кувшины, блюда в технике гризайль и полихромной росписи. Выполнял и сложные «картинные» композиции по гравюрам с рисунков Рафаэля, Ф. Приматиччьо, Н. дель Аббате. В 1535-1574 гг. Л. Лимозен создал в технике расписной эмали около ста двадцати портретов своих современников по рисункам Ж.Клуэ Старшего и его учеников. Эмалевые пластины, как картины, оправлены в рамы.

Для лиможских изделий характерны реликварии в форме античных пиксид с конической крышкой, завершающейся крестом. Их изготавливали по заказам аббатства Св.Марциала, в частности, для английских королей из дома Плантагенетов (в XV-XVI вв. Лимож входил в их владения). Одно из интересных изделий хранится в парижском Лувре: две чаши вставляются одна в другую. На внутренней стороне одной из чаш есть и надпись: «Magister G. Alpais me fecit. Lemovicarum» (лат. «Меня сделал лиможский мастер Альпе).

Другой центр производства эмалевых изделий - монастырь Конк в Аквитании, южнее Лиможа. В 30 км к северу от Лиможа находится бенедиктинское аббатство Гранмон (франц. Grandmont - «Большая гора»). В романскую эпоху (XV-XVI в.) там изготовляли изделия в технике выемчатых эмалей с яркими красками и упрощенным рисунком. В XVI в. расписные эмали приобрели для искусства Франции значение, сопоставимое с ролью расписной майолики и венецианского стекла для искусства Итальянского Возрождения. Однако в XVII столетии стиль лиможских эмальеров измельчал, и их трудоемкая техника не выдерживала конкуренции с росписью фаянсовых изделий.

Особую группу составляют выпуклые сосуды с характерным рисунком, эмалевое покрытие которых принято называть венецианской эмалью, так как предполагают, что она получила свое развитие в Венеции. Речь идет о прочеканенных и покрытых опаковой эмалью медных сосудах. В эмаль вплавлялись золотые букеты, соломка, розетки, листья. Эти изделия появились в первой половине XVI в.

© Материал подготовлен администрацией сайта Арт Каталог.
При полном или частичном копировании ссылка на сайт www.art-katalog.com обязательна!